Arles | Voix off

Prize 2009 | Inscription | March 30 deadline

FR: Voies Off propose depuis 13 ans un regard alternatif sur la photographie émergente, ses particularités, ses évolutions et ses résistances... Les soirées de projection du Festival Voies Off des Rencontres d’Arles constituent une référence internationale pour la découverte des auteurs et le suivi de la création photographique. Les thématiques du festival abordent, avec un regard critique, les évolutions du monde contemporain. Une vingtaine de nationalités sont représentées lors de chaque édition. Le Prix Voies Off, attribué par un jury de professionnels reconnus, récompense chaque année un artiste pour la clarté de sa vision et la qualité de son travail. Une bourse de 2 000 euros lui est attribuée.
Envoi du dossier | date limite 30 mars

EN: For 13 years now, The Voies Off festival has offered an alternative look on emerging photography with its own specificities, its evolution and its struggles... The evening shows staged by the Rencontres d’Arles Voies off Festival have become a worldwide reference for the discovery of new artists and the follow-up of photographic creation.Through its themes, the festival takes a critical look at the evolution of the present world. Each year, around twenty different nationalities are represented at the Festival Voies Off. Each year The Voies Off Prize, granted by a jury of saluted professionals, is awarded for an artist’s high-quality work and insightful vision. A 2000 Euro grant will be awarded to the prizewinner. Sending of the registration file | march 30 deadline.

The 52nd World Press Photo

Anthony Suau wins premier award


EN : The international jury of the 52nd annual World Press Photo Contest selected a black and white image of American photographer Anthony Suau as World Press Photo of the Year 2008. The annual World Press Photo contest is at the core of the organization's activities. It offers an overview of how press photographers tackle their work worldwide and how the press gives us the news, bringing together pictures from all parts of the globe to reflect trends and developments in photojournalism .The contest is open to all professional press photographers. There is no entry fee. Not only photographers, but photo agencies, newspapers and magazines from anywhere in the world are invited to submit their best news-related pictures of the previous year.

Studio Marcel

28.02.09 | 20:00 | Free

FR : Ouverture du studio photo de tous les possibles et même de l'impossible. Un univers photographique à destination des habitants du quartier des Marolles ou Anneessens. Que vous soyez habitant, membre d'une association, membre d'un club de foot ou de darts, professeur d'une école ou tout autre groupe de protection du ping pong... et que vous avez envie d'un portrait de vous, un portrait de votre famille, de votre équipe, de votre classe, n'hésitez pas à nous contacter et à prendre rendez-vous pour une séance photo. Les photographies sont gratuites et vous recevez un exemplaire des images. Marcel, notre photographe fétiche, peut aussi se déplacer à la maison si cela s'avère nécessaire, sous condition de bon accueil ! Pour son lancement, le STUDIO MARCEL propose une petite soirée spéciale dédicace à Cindy Sherman avec prises de vue gratuites. Avec entre 21h et 23h Dj Cheyenne et entre 23h et 01h Dj Tête de Chien. Et en plus c'est l'anniversaire de Mehidi ... un de nos meilleurs photographes de quartier. Une belle soirée costumée marollienne oreille de lapin en perspective. Il y aura également une exposition d'un papier peint de la série du Fotomaton réalisé à Bruxelles et Paris lors de ces 15 dernières années. Et finalement, Marcel ouvre son archive d'albums de photos trouvés aux puces.

NL : Recyclart opent een fotostudio waar (bijna) alles mogelijk is. Een universum van beelden bestemd voor de buurtbewoners. Of u nu in de buurt woont, lid bent van een vereniging, voetbal-, vogelpik- of ping pongclub, onderwijzer of werknemer in één van de vele bedrijven en organisaties in de buurt en u heeft een foto nodig, een portret van uzelf of uw familie, uw ploeg, collega's of klas, aarzel dan niet om een afspraak te maken en langs te komen voor een fotosessie. Het is weerom gratis en u krijgt een afdruk mee naar huis. Marcel, onze fetisjfotograaf en bezieler van deze unieke plek, kan ook bij u thuis langskomen, op voorwaarde van een hartelijk onthaal natuurlijk ! De opening van Studio Marcel wordt een feest met tussen 21u en 23u dj Cheyenne en tussen 23u en 01u dj Tête de chien. Daarbovenop is het de verjaardag van Mehidi, één van onze meest getalenteerde fotografen uit de wijk. Een spetterende gekostumeerde avond op zijn Maroliens met konijnenoren in het vooruitzicht ! Studio Marcel organiseert die avond ook enkele gratis fotosessies gewijd aan Cindy Sherman. Tenslotte is er een tentoonstelling op behangpapier met foto's uit de Fotomatonsessies die in Brussel en Parijs plaatsvonden tijdens de laatste 15 jaar. U krijgt er ook de gelegenheid te bladeren in het rijke archief met fotoalbums die op de vlooienmarkt werden gevonden.

Andreas Gursky

Works 80-08 | Moderna Museet

21.02.09 >03.05.09

EN : Andreas Gursky, born in Leipzig in 1955 and now living in Düsseldorf, has for many years been regarded as one of the leading international photographers. Works 80-08 is his largest exhibition to date, and the first to span his entire oeuvre. Gursky has selected more than 150 works, starting from his student days at Folkwang Hochschule in Essen, through his years at the academy of art in Düsseldorf where he studied under Bernd and Hilla Becher. These photos, many of which have never before been published, lead up to his latest works, produced especially for this exhibition. Andreas Gursky’s self-professed interest in an abstract imagery led him at an early stage in his career to create pictures of abundance and emptiness. Since 1992, he has made use of digital technology for these subjects – initially in the form of digital retouching, but eventually more explicitly. In this way, he achieves complex constructions of reality, but consistently with the purpose of portraying social truths. Abstract and figurative are combined on a metaphorical level, and whether he is exploring work or recreation, large-scale livestock farming or spectacular events, hypermarket commodities or mountains of garbage, each photograph contributes a vital piece towards achieving Andreas Gursky’s goal: an “Encyclopaedia of Life”. Even in his earliest works, Andreas Gursky demonstrates his keen observation of people’s approach to life and the world, and their longing to get away from tedium and work. He had already developed an impressive ability to charge different settings with personal inner moods and his gaze is aimed beyond the details and the individual, to the totality. Although these initial pictures mainly portray his closest surroundings, we can follow how he gradually moves in wider circles, until they encompass the whole world. Also, by visiting places and events several times over a longer period of time, the artist not only throws light on different social contexts – such as capitalist or communist mass meetings – but also portrays structures in transition. His photographs of large corporations and stock exchanges in the 1980s and onwards are examples of this.





This exhibition of more than 150 works would have been impossible if the artist had not decided to make new copies of his entire output – with the exception of his very latest works – in a smaller format. This was a radical step, in view of the fact that Gursky has long been associated with large-format photography. On the other hand, this procedure enables us to show his full oeuvre and to accommodate its encyclopaedic nature. The result is an exhibition that rests on two fundaments: firstly, the new works in large format – Andreas Gursky here and now – and secondly, the entire catalogue of works that allows us to study his oeuvre chronologically, to study his assertions about photography, to wonder at the strong similarities with painting, and to discover the relationships that arise between the pictures.To show 140 works in a single exhibition has been made possible thanks to the fact that the artist has produced smaller copies of his earlier works. This radical approach provides an entirely new perspective on his images. We are also presented with a generous opportunity to explore the development of Gursky’s work, immerse ourselves in his view on photography and discover new relationships that arise among the works.

Works 80-08 is organized by Dr Martin Hentschel, Kunstmuseum Krefeld in collaboration with Moderna Museet and Vancouver Art Gallery.

Carl Uytterhaegen

Cité 3_BE | Coalface Gallery | Gand
21.02.09 > 26.04.09

NL : Cité 3 is een documentair werk over de mijnwerkerscité nummer 3 in Auchel, een Noord-Frans mijnstadje. De wijken in Auchel werden - net als de Limburgse cité's - gebouwd om de mijnwerkersgezinnen beter te kunnen huisvesten. In de jaren '50 werd er de laatste mijn gesloten. Armoede overheerst. De werkloosheid tiert er welig.

Carl Uytterhaegen volgde in de jaren ’70 de familie Lecointe (11 kinderen) gedurende 5 jaar. Enkele jaren geleden zocht hij ze opnieuw op. Eglantine - de moeder - woont nu in cité 5, René is terug op vrije voeten, Patricia besloot terug naar cité 3 te gaan en Jean-Claude vestigde zich een paar straten verder. De familie Lecointe is één van de vele families die er in een cité woonden. cité 3 is inmiddels geëvolueerd: van renovatie tot gedeeltelijke afbraak en tot het bouwen van nieuwe woningen. Mensen worden ouder, terrils worden afgeknot. Maar in wezen is er niets veranderd... De essentie, de rauwheid en het grauwe, is gebleven. En dit is wat Carl toont in zijn foto's.

David Lachapelle | Rétrospective

06.02.09 > 31.05.09 | La Monnaie de Paris

FR: Né en 1963 à Fairfield dans le Connecticut, David LaChapelle est l’un des plus grands photographes de mode de ces dernières années. Ses photos se distinguent essentiellement par la vivacité de leurs couleurs (qui est obtenue au tirage, par l’utilisation de négatifs couleurs), des décors bariolés, par des mises en scène très soignées et pouvant être très importantes : un musée inondé, des maisons détruites, des carambolages de voitures, des ours,… LaChapelle utilise très peu de trucages numériques : « C’est beaucoup plus drôle, si on veut photographier une fille assise sur un champignon de fabriquer le champignon et de l’asseoir dessus, que de le faire à l’ordinateur. De même si on veut mettre une fille nue et un singe en plein Time Square... ». Ses influences vont de la peinture baroque au pop art, en passant par le porno chic (abondance de corps nus). De ses années de galère, au début des années 80, il a extrait son style : monter des situations, rendre la vie artificielle, soigner ses décors dans les moindres détails. Tout cela vise à mettre à distance une réalité trop lourde à porter. Car s’il fait poser ses modèles dans des endroits pas toujours idylliques, immeubles délabrés, fast-food, salle d’accouchement, bureau, étal de viande… l’objectif est unique : exalter la beauté et le glamour. David LaChapelle fait parti des 10 plus grands noms de la photographie de mode classés par le magazine américain American Photo.

LIGHT | Web revue Photographique

FR : LIGHT_ est une web revue photographique indépendante, créée en 2008 à l’initiative d’un collectif réunissant photographe, architecte, paysagiste, et chef-opérateur, tous réunis autour du même médium, la photographie, et du même questionnement : le territoire et le paysage.

Face à la difficulté que peut représenter l'édition pure d'un travail photographique, qu'il soit le fruit d'une longue recherche, et qu'il flirte avec une connaissance propre de l'idée développée, ou qu'il soit en cours d'évolution, et nécessite de fait, la présentation au public, comme étant une étape dans une démarche globale, en construction, l'équipe de LIGHT_ s'est penchée sur une autre forme d'édition de travaux photographiques. Allant au-delà du simple site internet collectif présentant des portfolios d'auteurs, nous souhaitions créer une véritable revue, tant dans le fond que la forme. Bien entendu celle-ci reste a priori impalpable, le papier n'existe pas. Pourtant, les pages y sont considérées comme de véritables surfaces d'exposition, comme une galerie virtuelle composée de murs vierges sur lesquels les images viennent se poser, s'organiser et s'offrir au regard.

LIGHT_ a pour vocation d’être une vitrine mouvante, un espace d’exposition dédié à la création photographique d’aujourd’hui.

LIGHT_ est une revue gratuite, à visée non commerciale, plate-forme de rencontre, de découverte et de présentation à un public le plus large possible d’une autre photographie. LIGHT_ présentera de manière régulière, tous les deux mois si tout va bien, le travail et les expérimentations en cours des photographes pivots de la revue, tout en proposant à chaque numéro le travail d’un ou plusieurs invité(s), choisi(s) par l’équipe. LIGHT_ n'ambitionne pas de révolutionner le monde de la photographie contemporaine, juste y trouver sa place et apporter à ceux que cela intéresse un regard sous un angle autre sur la création d'aujourd'hui. LIGHT_ est le fruit du travail de passionnés de l'image photographique, tant auteurs que concepteurs.

LIGHT_ envisage d’éditer 6 web revues par an, et ambitionne pourquoi pas de se développer vers une version numérotée en tirage limité uni-annuelle papier. Nous sommes à la recherche de partenaires susceptibles d’être intéressés et de soutenir le projet.

LIGHT_ c'est edouard decam, théophile seyrig, raphaël cauhépé-françois et guillaume ougier.

Robert Capa

Rétrospective / Retrospectief

Musée Juif de Belgique | Bruxelles
23.01.09 > 15.04.09

FR : Le 3 décembre 1938, Picture Post présenta un reportage du « plus grand photographe de guerre du monde : Robert Capa », avec 26 images prises lors de la bataille d’Ebro, pendant la guerre civile en Espagne. Le plus grand photographe de guerre du monde détestait la guerre. Il était Juif, originaire de Budapest, se nommait Endre Friedmann et avait étudié les sciences politiques à la Deutsche Hochschule für Politik à Berlin. Il avait réalisé ses premières photographies professionnelles au cours du meeting de Léon Trotski, en 1931, à Copenhague.

En 1933, il s’installa à Paris et rencontra la photographe Gerda Pohorylle, dont il tomba éperdument amoureux. Le couple s’inventa un destin pour faire face à la misère : Endre Friedmann devint Robert Capa et Gerda Pohorylle devint Gerda Taro. La jeune femme entretint habilement le mystère auprès des rédactions qui achetèrent les clichés de cet américain inconnu et doué. La légende était née, le talent fit le reste. Les journaux ne cessèrent de publier les œuvres de Capa.

Il se lia d’amitié avec de nombreux artistes et photographes comme Picasso, Hemingway, David Seymour ou Henri Cartier-Bresson. Les reportages de Capa sur la guerre civile espagnole furent publiés régulièrement dans Vu, Regards, Weekly Illustrated, et Life. Sa photographie intitulée Mort d’un soldat républicain, lui valut une réputation internationale et devint un symbole puissant de la guerre. En Espagne, Capa tourna également des films destinés aux nouvelles pour March of Time, le département cinématographique de Time-Life. Après la mort de sa compagne Gerda Taro, tuée en Espagne, Capa voyagea en Chine et immigra à New York en 1939. De 1939 à 1945, il réalisa des reportages sur la Deuxième Guerre mondiale – notamment la bataille d’Angleterre, la progression des Alliés en Afrique du Nord, le débarquement en Sicile, en Italie et en Normandie, la Libération de Paris de même que la bataille des Ardennes - en tant que correspondant pour Life et Collier’s.

En 1947, il fonda Magnum Photos avec Henri Cartier-Bresson, David Seymour, George Rodger et William Vandivert. Capa se rendit également en Russie avec John Steinbeck et en Israël, de 1948 à 1950, commençant ainsi une longue série de reportages pour Holiday. Robert Capa mourut le 25 mai 1954 en Indochine, après avoir posé le pied sur une mine.

Fred Baldwin et Wendy Watriss

Looking at the U.S. 1957-1986

24.01.09 > 24.05.09 | Musée de la photographie à Charleroi













FR : Fred Baldwin et Wendy Watriss ont créé en 1986 les rencontres internationales de la Fotofest à Houston – Texas, un festival biennal incontournable pour le monde de la photographie ; de nombreuses autres rencontres, pas seulement aux Etats-Unis, s’en sont directement inspirées, et leurs silhouettes sont devenues familières de la Chine au Mexique, de l’Argentine à la Grèce, partout où l’on montre de la photographie, où les photographes, les galeristes, commissaires, critiques d’art ou responsables d’institutions trouvent à se rencontrer. Leur engagement inlassable pour la diffusion de la photographie, leur enthousiasme et leur énergie sont des exemples pour plusieurs générations.
Cette action commune a sans doute éclipsé leur propre travail : l’on en oublierait presque que Fred Baldwin et Wendy Watriss sont tous deux photographes, qu’ils ont mené depuis cinquante ans, séparément d’abord, ensemble depuis 1971, une passionnante enquête photographique sur l’Amérique, un reportage sociologique abondamment documenté, pour la plus grande part inédit, sur les groupes sociaux d’origines diverses et les communautés qui en composent la mosaïque...

Saul Leiter

30.01.09 > 14.03.09 | Antwerp-Belgium

Fifty One Fine Art Photography

EN : Saul Leiter (°1923) arrived in 1946 in New York with the intention of becoming a painter, in which he succeeded. Soon after this, his paintings were exhibited in several galleries, but his paintings never have become as successful as his photographs are now. His friendship with expressionist artist Richard Pousette-Dart, who experimented in the dark room with the manipulation of negatives, and with Eugene Smith were important stimuli in his recognition of the creative potential of photography. Although he never stopped painting, Leiters camera became like an extension of his arm, an ever-present tool while capturing metropolitan scenes, occasionally in Europe, ass well as in the USA.

Leiters vision is founded on his rapid eye for absorbing spontaneous events. Confronted by a dense web of data, fleeting moments in space and time, he employs an array of strategies to capture urban visual poetry that is by turns affectionate, edgy and breathtakingly poignant. He takes risks, disobeying the conventions of camera technique, but his sensibility sets his photographs apart from the defining characteristics of the ‘New York School’ that typify other 1950’s photographers like Robert Frank and William Klein. Although Leiter was adept in black and white, the lyricism of his photographs is most acutely manifested in the eloquent interplay of his colour photography.

For the past years, the work of Saul Leiter became very successful and has been put back in honor, for his work has been very much underestimated between the 1960’s and 1990’s. Several factors conspired the delay recognition, for instance his disdain for self-promotion together with a solid artistic integrity.

This is already the second solo exhibition by Saul Leiter at Fifty One Fine Art Photography. This time, we will show colour photographs, as well as black and white images by his hand.

IMAGES'10 | NEW COMPETITIONS!!!

FR : En janvier 2009, la Fondation Vevey, ville d’images relance le 5ème Grand prix européen des premiers films et le 7e Grand Prix international de photographie de Vevey, deux concours qui priment des projets dans le cadre du festival d’arts visuels Images’ (Vevey, Suisse). Chaque deux ans, ces concours représentent un soutien unique à la création contemporaine avec une liberté de choix du sujet comme du genre.

La spécificité de ces compétitions consiste à donner une aide déterminante à des projets non-réalisés, sous forme de prix allant jusqu’à 30'000 CHF (env. 20'000 EUR) pour concrétiser une démarche photographique ou cinématographique. Depuis de nombreuses années, le festival Images’ a fait de Vevey avec ses deux Grands Prix une ville liée à la création et à la communication visuelle.

Des jurys nationaux et internationaux de professionnels se réuniront en mai et juin 2009 pour choisir sur dossier des projets se démarquant par leur qualité et leur originalité. Les travaux récompensés seront ensuite réalisés et montrés en avant-première dans le cadre du prochain festival Images’ en septembre 2010.

EN : From January 2009, as part of Images, the Festival of Visual Arts in Vevey, Switzerland, the Foundation Vevey: Ville d’Images is inviting entries for the 5th European First Film Awards and the 7th International Vevey Photo Awards. With complete freedom of choice as regards subject matter and genre, these bi-annual competitions provide precious support to contemporary creators.

The distinctive feature of these competitions is that they enable creators to carry out personal projects in the fields of film or photography through the attribution of prizes worth up to 30,000 CHF (approximately 20,000 Euros). Over the years, through the festival Images and its two Award competitions, Vevey has become closely associated with contemporary artistic creation and visual communication.

Juries composed of Swiss and international experts in the fields of film and photography will meet in May and June 2009 to examine the projects submitted and select those which are considered to be outstanding in terms of quality or originality. The projects that receive awards will be completed and shown at the next edition of the festival Images in September 2010.

Magazine n°9 | Soyons.net

Le numéro 9 du Magazine est en ligne avec les travaux de Savvas Lazaridis, Jean-François Spricigo, Marie Sordat, V.D. et Emilie Reynaud.

"Business is (still) Business" II

06.02.09 > 27.03.09 | Les Chiroux | Liège

FR : Du 6 février au 27 mars 2009, le Centre culturel de Liège "Les Chiroux", en association avec le Tempo Color / Semaines du Commerce équitable, présente "Business is (still) Business", le deuxième volet d'exposition consacrée à la problématique du travail aujourd'hui.

Cette seconde partie voudrait offrir un point de vue complémentaire à la réflexion menée lors du premier volet d'exposition ("Business is Business", du 10 septembre au 11 octobre 2008). Là où la première exposition faisait la part belle à l'ironie et à la distanciation, dans une visée dénonciatrice et militante, la deuxième exposition entend dévoiler "l'envers du décor" en replaçant l'humain au cœur du propos. Sans abandonner une ligne politique, l'attention se porte plus centralement sur la figure du travailleur.

Si le premier volet a montré l'artificialité inhumaine ou déshumanisée de certaines options prises par le capitalisme mondialisé, le second volet souhaite rendre sa place à l'homme dans ce contexte. Il s'agit de pointer l'humain derrière la machine, la personne dans l'espace de son travail, le travailleur dans sa recherche et ses difficultés, dans sa singularité, ses besoins, ses envies, ses résistances, ses limites, ses peurs et ses joies, bref, sa complexité.

Bien que toujours inscrites dans une perspective critique, les œuvres sélectionnées (vidéo, installation, photo) mettent également l'accent sur les aspects émotionnels et psychologiques, notamment par une série de portraits. Pour encadrer ceux-ci, leur donner un contexte et les mettre en perspective dans le prolongement du propos de la première exposition, on retrouve des œuvres qui poursuivent l'exploration de la dimension idéologique de notre rapport au travail. Un catalogue reprenant les œuvres présentées dans les deux expositions ainsi que des textes relatifs au thème sera édité pour l'occasion.

FotoMuseum | Antwerpen

Erwin Olaf | EyeCandy 1984 - 2009
07.02.09 > 07.06.09

NL : Erwin Olaf is veruit de bekendste en controversieelste Nederlandse fotograaf. Hij kent zowel succes in het galerie- en museumcircuit als in de reclamewereld. In 1988 brak Olaf internationaal door met zijn serie Chessman die bekroond werd met de eerste prijs in de Europese jonge fotografenwedstrijd. Sindsdien heeft hij gender, sensualiteit, humor, wanhoop en gratie verbeeld in fotoseries. Zijn vroege werk maakte hij in een documentaire zwart-wit stijl. Later introduceerde hij kleur en digitale manipulatie in zijn beelden. In recent werk krijg je verstilde beelden te zien die amper gemanipuleerd zijn. Naast fotografie heeft Olaf videokunst en film gemaakt. In 2009 wordt Erwin Olaf 50 jaar en blikt hij terug op 25 jaar fotograferen. De overzichtstentoonstelling in het FoMu biedt je een mix van ouder fotografisch werk en video-installaties. Een ware roller-coaster door het oeuvre van Erwin Olaf.

FR : Erwin Olaf [°1959, Hilversum] est de loin le photographe néerlandais le plus connu mais aussi le plus controversé. Son succès est tel qu'on retrouve des traces de son œuvre aussi bien dans des galeries, dans des musées que dans le monde de la publicité. En 1988, Olaf accède à une notoriété internationale grâce à sa série Chessman qui fut couronnée du premier prix lors d'un concours de jeunes photographes européens. Depuis lors, il a illustré dans ses séries de clichés des thèmes tels que le sexe, la sensualité, l'humour, le désespoir et la grâce.

Ses premières œuvres s'inscrivent dans un style documentaliste noir et blanc. Ensuite, il a introduit de la couleur et des manipulations numériques dans ses images. Sa série Royal blood [2000] a notamment suscité beaucoup d'émoi. Il suffit de se rappeler sa photo mettant en scène une femme ressemblant à la princesse Diana et arborant un emblème de Mercedes ensanglanté sur le bras. Plus récemment, il a proposé des images apaisées à peine retouchées.

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Vincen Beeckman | Made in Strombeek
07.02.09 > 15.03.09

NL : De jonge Belgische fotograaf Vincen Beeckman is een ware duizendpoot. Hij engageert zich in heel verschillende werelden en beweegt zich moeiteloos van sociaal-artistieke projecten en integraties in de publieke ruimte, naar autonoom werk. Zo deelde hij filmrolletjes uit aan de bewoners van de Marollen, met de vraag hun leven vast te leggen. En met Chez Jacky poseert een stoet bizar uitgedoste mensen voor zijn camera. In een eindeloze serie zelfportretten – van ‘coureur’ tot politieman – blijkt zijn zoektocht naar identiteit even obsessief als relativerend. Beeckmans onbevangen blik op de diverse facetten van de fotografische praktijk is ontwapenend. In de FotoMuseum Galerie presenteert Beeckman met foto´s, teksten en tekeningen een associatieve compilatie van zijn veelzijdige werk. Sluitstuk én meest recente serie vormt een persoonlijke terugblik op zijn geboortedorp Strombeek.

FR : Vincen Beeckman [°1973, Schaarbeek] est un jeune photographe belge qui aime toucher à tout. Il s'engage dans des mondes aux antipodes les uns des autres et trouve facilement sa place dans des projets socio-artistiques, dans des intégrations de l'espace public, mais aussi dans une œuvre autonome. Il a ainsi distribué des bobines de pellicules aux habitants des Marolles en leur demandant d'y immortaliser leur vie. Chez Jacky présente un florilège de personnes habillées bizarrement qui ont posé devant son objectif. Dans une série infinie d'autoportraits – du ‘coureur’ au policier –, sa quête d'identité prend des allures obsessionnelles et relativisantes.

Le regard naïf de Beeckman sur les diverses facettes de la photographie décontenance. Beeckman présente dans la Galerie du FotoMuseum (Musée de la Photo d'Anvers) des clichés, des textes et des esquisses qui résument la diversité de son œuvre. La pièce finale, sa série la plus récente, s'apparente à un regard personnel sur son village natal de Strombeek. Inévitablement, ces photos visiblement directes et spontanées recèlent une connotation de malaise et de vanité tout en dégageant une combinaison de beauté et de déchéance.

Aurore Dal Mas

13.02.09 > 07.03.09 | B-Gallery | Bruxelles

FR : Née en 1981 à Ottignes-Louvain-La-Neuve, vit à Bruxelles | 2005 Diplôme « La Cambre, atelier de photographie »

Par la photographie, la vidéo, le texte ou le chant, je crée des images sans fin, sans fond, sans perspective, sans sujet reconnaissable, sans lieu, ni temps. Elles sont la poursuite d’un doute, d’une vibration, d’une idée d’être humain sacré. Une transe intime et interne. Le contraire de l’exil. La formation du germe dans le noir.

« Au travers d’un corps mi-minéral mi-végétal, il faudrait voir l’obscurité, concevoir la lenteur de la lumière. Les particules d’ombres s’entassant dans l’image révèlent alors ce qui a déjà disparu : des paysages fantomatiques, comme en suspens, où s’inversent les rapports du visible et de l’absence. De même, il faudrait pénétrer à reculons dans l’ouverture mentale ménagée par les inscriptions des sculptures, non plus en tant que spectateur mais bien comme sujet : celui qui regarde la pierre est déjà l’être qui y est contenu. » (Anaël Desablin)

Les paysages, eaux stagnantes, marécages, sont comme un miroir de l’esprit. Tout y est étrangement fixe, alors que sous la surface, c’est un énorme grouillement. Ces eaux sont un reflet de celles qui baignent le corps humain, qui est envisagé comme un élément naturel et pour lequel, pareillement aux paysages, on devine sous la peau et le figé qu’impose la photographie, que la vie est à l’œuvre. Et ce, même et encore quand elle s’en va.

Nous sommes face à la limite du monde du dehors et du monde du dedans, du connu et du mystère, de l’avant et de l’après. Ainsi ces pierres gravées, stèles funéraires, portes entre le mort et le vivant, mais ne recouvrant aucun corps, proposent une réflexion sur notre façon d’envisager la vie. Elles sont comme le miroir du spectateur qui les lit : puisqu’en-dessous de la pierre il n’y a rien, c’est « au-dessus » que tout se passe. Ici, maintenant. Il n’y a encore rien à ensevelir, encore rien à cacher, que du contraire. Car il s’agit justement de tenter de mettre au jour ce que signifie « être humain ».

Satoru Toma

13.02.09 > 12.03.09 | Vertige Galerie

FR : Notre galerie ouvre ses portes sur une dense végétation. Nous nous frayons un passage. Sur les traces de Satoru Toma, nous pénétrons au plus profond de zones désertées où la nature a pris le dessus. Issues de promenades en solitaire, les images du photographe interrogent notre mémoire. Le temps est suspendu. Sans trucages ni mises en scène, il nous montre l’envers du décor, des lieux oubliés, anonymes, abandonnés. Venez, vous aussi, vous égarer dans ces mondes perdus. http://www.satorutoma.com/

Prix HSBC pour la Photographie

Lauréats | Grégoire Alexandre et Matthieu Gafsou

FR : Depuis de nombreuses années, la photographie fait partie de la politique culturelle de HSBC France. Elle s'exprime aujourd'hui essentiellement à travers le Prix HSBC pour la Photographie, créé en 1995, sous l'égide de la Fondation de France.

Mathieu Gafsou | Surfaces

FR : "Matthieu Gafsou cherche de la cohérence dans l’incohérence d’un pays, la Tunisie, dont « Surfaces » une série de photographies est issue. Tiraillés entre le désir de modernité et de confort occidental et l’usage d’un habitat aux allures traditionnelles, les bâtiments, quartiers qu’il photographie, rendent compte de façades et d’environnement aux exotismes savamment gérés. Les phénomènes contradictoires que cela met en oeuvre, sous les couches lisses d’une réalité entretenue et fantasmée, sont aussi le possible reflet de l’incapacité à capturer le monde. Le désir et le regard visent à la transformation, à la re-création des lieux riches d’illusions." Textes de Olivier Saillard, Conseiller Artistique 2009

Gregoire Alexandre

"Grégoire Alexandre a réalisé des études à l’Ecole Nationale Supérieure de la Photographie à Arles et a participé au Festival des jeunes créateurs de Hyères où il fut révélé à plus grand public. Très récemment il était sélectionné par le couturier Christian Lacroix au sein de la programmation qu’il signa dans le cadre des Rencontres d’Arles. A l’instar de Paolo Roversi, Tim Walker ou Peter Lindbergh, notamment, le travail de Grégoire Alexandre a été réuni et présenté sous la forme d’une exposition monographique. La simplicité des moyens utilisés comme celle des formes qui résultent de ses photographies aux tonalités essentielles et ordonnées ont imposé Grégoire Alexandre au monde de la mode. L’apparence des êtres ou des choses n’est pas trompeuse chez lui, mais elle ne se transforme pas non plus en cruauté. Tout à l’inverse elle devient un fard doux pour la peau ou les angles qu’elle apaise. Avec discrétion et sans fracas, ses compositions fragiles qui ne tiennent souvent qu’à un fil, au sens propre comme au sens figuré, ont inscrit une écriture sensible qui tranche alors avec le vocabulaire photographique de mode des années 90. Des natures mortes de vêtements effeuillés comme les pages d’un livre, des mannequins ensevelis sous le rose d’un cyclo, des lacets de couleurs noués aux branches d’un arbre, chacune des photographies de Grégoire Alexandre distille les sentiments poétiques d’une décennie qui, à trop vouloir les chercher, les ignore parfois." Texte de Olivier Saillard, Conseiller Artistique 2009

Bernard Baines | New Site

www.bainespictures.com